La arquitectura en el cine trasciende su función como simple telón de fondo, convirtiéndose en un auténtico protagonista que interactúa con la trama para enriquecer el significado del guion. A lo largo de la historia del cine, muchos directores han sabido aprovechar este recurso, utilizando la arquitectura como una forma de crítica y reflexión social.
Por El Arq. Luca Meza Sorrentino
En nuestra vida cotidiana, estamos rodeados de espacios arquitectónicos que el cine recrea, no solo para aportar realismo, sino también para sumergir al espectador en la narrativa. La escenografía, al estar en perfecta armonía con la historia, crea una atmósfera que cautiva y deja una huella perdurable. En este artículo, exploramos algunas películas donde la arquitectura y el diseño juegan un papel crucial, convirtiéndose en un elemento narrativo indispensable. Estos filmes son verdaderos clásicos que todo amante del diseño debería ver.
Dune
Un futuro forjado en detalles
La ciencia ficción, más que cualquier otro género, se apoya en el diseño para dar vida a mundos creíbles. Dune, dirigida por Denis Villeneuve, lleva este concepto a su máxima expresión, donde cada detalle arquitectónico, cada tono y cada forma se entrelazan con la narrativa para profundizar en el significado de la historia. Villeneuve no solo imagina un futuro visualmente deslumbrante, sino que también emplea la arquitectura como un espejo de las culturas y sociedades del universo de Dune. La majestuosidad de los palacios, la sobriedad de las fortalezas y la inmensidad de los desiertos no son simplemente escenarios, sino componentes esenciales que moldean la relación de los personajes con su entorno y definen sus destinos. Con líneas puras, elementos de escala monumental y un uso magistral de la luz en los espacios, Dune se convierte en una auténtica experiencia arquitectónica llevada a la pantalla, donde cada rincón y estructura cuenta una historia propia.
Los Increíbles
La casa de Edna Moda, un refugio de diseño moderno
Ubicada en lo alto de una colina, esta residencia se destaca como un ejemplo icónico de la arquitectura moderna. Su diseño, que combina líneas limpias, grandes ventanales de vidrio y suelos de microcemento, transmite tanto lujo como una profunda conexión con lo tradicional. Inspirada en la casa Rietveld Schröder del movimiento De Stijl, la residencia mezcla elementos modernos con influencias de estilos históricos, creando un ambiente que es tanto contemporáneo como atemporal. Esta integración de lo antiguo y lo actual, visible en detalles como los bajorrelieves grecorromanos y las vasijas clásicas, resalta la complejidad del personaje de Edna y su enfoque innovador en el diseño. Hoy en día, existe un Airbnb inspirado en esta icónica casa, donde los huéspedes pueden sumergirse en la esencia del diseño que define a la residencia de Edna.
Parasite
La arquitectura como reflejo de la desigualdad social
En Parásitos, el contraste arquitectónico entre las residencias de las familias Kim y Park se erige como un potente símbolo de la desigualdad social. La casa de los Park, una pieza maestra de minimalismo creada por el director de arte y diseñador de producción Lee Ha Jun, encarna lujo, orden y estabilidad. En marcado contraste, el caótico y precario sótano donde viven los Kim resalta las duras realidades de la clase trabajadora de Seoul, Korea. Esta antítesis no solo evidencia las disparidades económicas, sino que también desempeña un papel crucial en la narrativa, revelando cómo nuestros entornos habitacionales moldean nuestras vidas y decisiones. La arquitectura se transforma en un reflejo tangible de las tensiones sociales y económicas que impulsan la trama, sirviendo como un testigo silencioso de la lucha de clases que define la película.
El Gran Hotel Budapest Cuando la arquitectura se convierte en personaje
En El Gran Hotel Budapest, la arquitectura no es solo un decorado, sino una protagonista en sí misma que rivaliza con los personajes de la película. Este majestuoso hotel del siglo XIX, con su vibrante color rosa y un estilo ecléctico que fusiona desde el art nouveau hasta el neoclasicismo, no es simplemente el escenario de la trama; es el alma de la historia. Elevado en lo alto de montañas nevadas en la ficticia provincia de Zubrowka, el hotel evoca una profunda nostalgia por una era de esplendor y grandeza. Su impresionante diseño, con una mezcla de estilos arquitectónicos y detalles ornamentales, no solo captura la imaginación del espectador, sino que también amplifica el tono melancólico de la película. En este escenario espectacular, se entrelazan aventuras, se forjan relaciones y se desarrolla una narrativa rica en matices visuales, transportando al público a un mundo surreal.
La arquitectura en el cine no es solo un complemento visual, sino un elemento narrativo que dialoga con la historia, la enriquece y la profundiza. Ya sea a través de futuros distópicos, refugios modernos, contrastes sociales o escenarios de ensueño, la arquitectura se convierte en un lenguaje que habla directamente al espectador, invitándolo a adentrarse en mundos tan reales como ficticios. Estas películas demuestran que, cuando se trata de contar historias, los espacios que habitamos son tan importantes como los personajes que las protagonizan.
A Puertas Cerradas es el sugerente título con el que el artista Cacho Falcon se presenta en la feria de arte PintaSud, con una muestra que explora la intimidad. Este aspecto, siempre presente de manera sutil en su obra, toma ahora un papel protagónico. Este hilo conductor, que explora lo interior, la complicidad y los límites entre lo personal y lo público, invita suavemente al espectador a recorrer estos ambientes íntimos y a sumergirse en la obra del artista.
Por Valeria Gallarini Sienra Fotos Abdala Oviedo
La muestra es una exploración de la sensualidad, del rastro y de la huella apenas perceptible, como un indicio que sugiere, pero no confirma. Es esa pregunta abierta que nos invita, como público, no solo a explorar los límites ajenos, sino también a replantear los propios.
Como artista, siempre estás evolucionando. ¿Qué camino estás explorando ahora?
Actualmente, estoy explorando nuevas formas de replantear la pintura en lienzo y la fotografía. Ambos medios ofrecen múltiples posibilidades en cuanto a técnicas y formatos, y me gusta experimentar con estas opciones como soporte para mi obra. En esta muestra, en la que abordo la intimidad, el lienzo oculta y redefine los espacios personales, invitando al espectador a una nueva percepción de lo íntimo.
¿Cuál es la temática principal de A Puertas Cerradas?
La intimidad es el eje central de esta exposición que presento en la galería BGN / ARTE en el marco de la feria internacional de arte PintaSud. En la expografía, mediante el uso de telas e iluminación, hemos reducido los espacios para generar la sensación de estar ingresando a una esfera íntima. La serie en la que estoy trabajando actualmente también explora estos espacios de intimidad que uno va descubriendo.
¿De dónde surgen los tótems?
Los tótems son un elemento más en mi obra, que surgen del vínculo que siempre tuve con el cuerpo humano. Exploré esta conexión de diversas formas; a través de la vestimenta,la piel como lienzo, el cuerpo desnudo como sujeto y, ahora, este camino me lleva a redescubrir una nueva manera de representar el cuerpo humano. En esta muestra, el tótem simula, evoca y esboza la figura humana, sin ser propiamente un cuerpo. Su presencia hace que la representación del mismo sea más sutil y abstracta.
¿Cuáles son las cosas que te mueven como artista?
Como artista, me inspiran las situaciones que me desafían y me llevan a explorar mis límites. Las historias personales y los vínculos humanos siempre han sido una parte central de mi proceso creativo. A lo largo de mi obra, he descubierto que estos vínculos, aunque sutiles, dejan una marca profunda tanto en mí como en mis sujetos. Esto se refleja especialmente en mi serie Body Work Series, donde la intimidad y la conversación guían la creación artística.
¿Cuáles son tus planes para este año?
Este año, me enfoqué en viajar y descubrir culturas a las que aún no había estado expuesto. También visité la Bienal de Venecia, donde me nutrí como artista al observar lo que está sucediendo en el mundo, las preguntas que los artistas están planteando y al disfrutar, como un espectador más, del poder del arte.
PINTA SUD | ASU ELEVÓ LA ESCENA ARTÍSTICA PARAGUAYA CON LA TERCERA EDICIÓN DE LA ART WEEK, EN ASUNCIÓN. DURANTE UNA SEMANA, LA CIUDAD SE CONVIRTIÓ EN EL EPICENTRO DE ESTA CELEBRACIÓN, LLENA DE ACTIVIDADES Y EVENTOS DISEÑADOS PARA TODOS LOS AMANTES DEL ARTE Y LA CULTURA.
Por Florencia Medina Fotos Gentileza
Más de 3,000 personas disfrutaron de las exhibiciones de arte realizadas en Casa Pinta Centro Cultural de la Ciudad Manzana de la Rivera y en más de 20 sitios, incluyendo galerías, instituciones culturales, museos y espacios autogestionados. El evento contó con visitas guiadas y actividades públicas y gratuitas.
Además, reunió a curadores y referentes del circuito internacional del arte, provenientes de prestigiosas instituciones y museos de Estados Unidos, Brasil, España, México y Argentina. Estos expertos participaron en el FORO: América Latina y la práctica curatorial, un ciclo de conversaciones realizado en la Casa de la Integración de CAF, el banco de desarrollo de América Latina y el Caribe.
Durante los tres días de FORO, los invitados compartieron diversos aspectos de su trabajo, tanto en instituciones como en proyectos específicos. Se generaron debates y reflexiones que involucraron a más de 400 participantes, incluidos profesionales del arte, estudiantes y docentes.
Una de las novedades de esta edición fue el Programa de Curaduría Joven, para celebrar a artistas nacionales emergentes con la invitación de jóvenes curadores paraguayos, entre ellos Majo Fiorio y Luis Ocampos Pompa.
Fortaleciendo la escena artística
El director global de Pinta Sud, Diego Costa Peuser, comentó que ha sido una gran edición donde se trabajó minuciosamente toda la programación para que sea diversa, actual y dinámica para el público visitante, reflejando lo mejor de las tendencias artísticas locales.
El programa cultural fue dirigido por la curadora Adriana Almada, con el apoyo de Irene Gelfman, curadora global de Pinta. A ellas, se unieron destacados curadores nacionales, como Ticio Escobar, Lia Colombino, Fredi Casco y Damián Cabrera, quienes deslumbraron con diversas propuestas expositivas.
Al concluir con éxito la tercera edición, se destacó el compromiso de seguir fortaleciendo la escena artística local en Asunción, anunciando que la cuarta edición de la Art Week se celebrará el próximo año en la capital paraguaya.
“La escena local se ha consolidado mucho desde la primera edición de Pinta Sud. Consideramos que este encuentro anual contribuye a fortalecer la sinergia y el diálogo, no solo entre los actores de la escena artística local, sino también con la escena regional e internacional”, mencionó Diego Costa Peuser.
Asimismo, se destacó que Pinta Sud | ASU es mucho más que un programa cultural; es un punto de encuentro y cohesión cultural que facilita oportunidades de profesionalización y la valorización del patrimonio cultural y turístico. Este evento contribuye al fortalecimiento de la escena artística y del mercado del arte nacional.
Durante toda su carrera, Sebastián Peña se ha distinguido por aportar valor e impulsar la industria cinematográfica y cultural de nuestro país. Editó revistas, produjo películas, dirigió documentales y dejó en alto el nombre de Paraguay en prestigiosos festivales alrededor del mundo. Además, es presidente de la Cámara Paraguaya de Empresas Productoras de Cine y Televisión.
Por Gina Gaona Fotos Gentileza
Apasionado emprendedor y con muchas ganas de contar historias, Peña es uno de los tantos que, aún conociendo los desafíos de hacer cine Paraguay, se lanza de lleno a crear y a producir, logrando resultados extraordinarios.
UN VÍNCULO DE TODA LA VIDA
El cine siempre fue parte de su vida, comenzó a apreciarlo desde chico en las salas de Asunción. “Recuerdo los cines de la década del ochenta. Iba a ver películas de Hollywood, como Superman o E.T., en el Premier o el Cosmos. Pero también películas clase B, como El cocodrilo mortal, cuando mi abuela Chela me llevaba a Quinta Avenida”, cuenta. “Cuando empecé a leer más, me imaginaba algún día escribiendo guiones. Y, cuando fui editor de la revista Wild, desde comienzos del 2000, empecé a ver más cine alternativo de otros países y películas clásicas”, agregó.
Un buen día, a Sebastián le ofrecieron trabajar como asistente en el rodaje de Miami Vice, en Ciudad del Este. “De esa producción participamos casi todos los que, desde ese entonces o después, nos dedicamos al mundo audiovisual en Paraguay”, recordó.
Junto con Osvaldo Ortíz y Tania Simbron, fundó Puatarará Films. De este grupo nacieron la ficción Guaraní (2015), dirigida por Luis Zorraquín, y el documental Chicas nuevas 24 horas (2015), dirigida por Mabel Lozano. En 2015, se asoció con Marcelo Martinessi y, desde La Babosa Cine, produjeron Las herederas (2018), primer largometraje de Martinessi, y Los últimos (2023), primer documental de Peña.
Hoy, Sebastián se encuentra recorriendo festivales internacionales con Los últimos. Además, produce el segundo largometraje de Marcelo Martinessi y trabaja en un proyecto de escritura para el cual viene investigando hace siete años.
EL FENÓMENO DE LAS HEREDERAS
Las herederas, ópera prima de Marcelo Martinessi con Sebastián Peña como productor principal, es una coproducción entre varios países. La película arrasó en los festivales internacionales, alzándose con dos premios Oso de Plata y tres reconocimientos de jurados independientes, en el 68.º Festival Internacional de Cine de Berlín. También obtuvo dos Premios Fénix, dos Premios Platino, entre otros reconocimientos.
“Con Las herederas aprendí, sobre todo, a armar y ejecutar complejos esquemas de financiamiento y de relaciones societarias. El recorrido por festivales me ayudó a comprender el funcionamiento de la industria del cine global”, destacó el realizador.
“También significó la constatación de algo que ya intuíamos, que desde Paraguay se puede hacer cine con un lenguaje propio y con un nivel de rigurosidad artístico-técnico capaz de pararse sólidamente en los espacios más exigentes”, puntualizó.
LOS ÚLTIMOS, UN VIAJE CINEMATOGRÁFICO POR EL CHACO
En Los últimos, Sebastián relata sus travesías por el Gran Chaco paraguayo junto a los ecólogos Jota Escobar y Ulf Drechsel.
El documental es el resultado de más de veinte años de viajes de observación y registro, durante los cuales los protagonistas comparten profundas conversaciones y reflexiones sobre el futuro de la humanidad en la tierra.
“Fue un proyecto tanto de cine como de reflexión, pensamiento y escritura. Conocí gente genial y pude participar de conversaciones desafiantes intelectualmente, aprender cosas inimaginables, y viajar a los lugares más fantásticos de Paraguay”, expresó el director.
Los últimos recibió el premio Lobo Marino como Mejor Documental durante el Festival Internacional de Cine de Punta del Este. Así también, fue destacado por la revista especializada Screen Daily de Inglaterra.
EL PRESENTE DEL CINE NACIONAL
El realizador ve un ecosistema cinematográfico fortalecido en Paraguay, especialmente, por los procesos que atravesó durante las dos últimas décadas. Indicó que hubo un cambio dramático, tanto en la escala, la frecuencia y la cantidad de producciones, como en los procesos de institucionalización del sector.
“Del cine paraguayo, admiro su resiliencia frente a un contexto históricamente poco favorable. Siempre fue difícil hacer cine acá, pero se encontró una manera. También me entusiasma comprobar que podemos contar nuestras historias y explorar lenguajes cinematográficos más propios. Son aportes genuinos de Paraguay al cine del mundo”, destacó.
De febrero a junio de este año, el renombrado artista paraguayo Pedro Barrail cautivó la escena artística de Nueva York con su última exposición en la Galería Cristina Grajales, una de las más importantes a nivel internacional. Esta es la segunda muestra individual de Barrail en la galería. Además, ha realizado numerosas exposiciones colectivas.
Por Nora Vega Fotos Gentileza
Trabajó y estudió en Miami desde 1983 hasta 1994, donde recibió su Licenciatura y Maestría en Bellas Artes, Arquitectura y Diseño Urbano por la Universidad de Miami.
Sus piezas forman parte de colecciones públicas y privadas a nivel internacional y han sido referenciadas en publicaciones como Art and Auction, New York Times, Wallpaper Magazine y Financial Times.
En su reciente muestra, denominada De Imagen y Tiempo, el trabajo de este artista paraguayo se sumerge en el inexorable paso del tiempo, explorando sus efectos en las técnicas, texturas y en el proceso de creación en general. Esta exposición sirve como culminación de proyectos e ideas que han ocupado su proceso creativo desde el principio, explorando temas de la autopercepción, el paso de la vida y el profundo impacto de la memoria.
“Cada pieza es especial porque cumple un rol en esta historia, que investiga sobre el implacable paso del tiempo y sus efectos”, explicó Pedro. Cada diseño difere en materiales, técnica y fundamentos conceptuales, pero todos están conectados por un hilo común: su piel.
La prestigiosa Galería Cristina Grajales acogió a esta exposición. Cabe mencionar, que la galería representa al artista paraguayo desde el año 2008. “Exponer en Nueva York, con sus altos estándares culturales y su rigurosa escena artística, es tanto un desafío como un privilegio. El público es extremadamente exigente y crítico; consume arte como parte de su identidad”, dijo Barrail. «Pero uno debe siempre presentar su mejor trabajo, sin importar el lugar; la verdadera satisfacción personal viene de lograr las metas propuestas, sin importar dónde o quién sea el público”, señaló.
Y, aunque las comparaciones son siempre complicadas, Barrail reflexionó sobre las marcadas diferencias en el apoyo cultural entre países, señalando la falta de una tradición de mecenazgo en Paraguay, en comparación con ciudades como Nueva York, París, Londres y Venecia. El artista enfatizó el papel crucial de mecenas como los Rockefeller, Rothschild, Lauder, Arnault, Thyssen y Pinault en enriquecer estas ciudades culturalmente, permitiendo la existencia de diversos centros artísticos.
UN VIAJE ARTÍSTICO POR EL MUNDO
El paraguayo ha llevado su arte a nivel internacional, exhibiendo en Francia, Suiza, Inglaterra, Italia, Brasil y Argentina. Con el paso de los años, su obra ha evolucionado, motivada por una constante investigación y la búsqueda de respuestas a nuevos interrogantes.
Al crecer en una familia de ingenieros y arquitectos, el patio de recreo de Barrail eran las obras civiles, lo que influyó en su pensamiento con materiales y procesos de construcción. A lo largo de varios años, recopiló diversos tipos de materiales constructivos que se convirtieron en la base de su Gabinete Huellas. Esta creación de textura intrincada sirve como un conmovedor homenaje al trabajo de quienes manipularon estos elementos, junto con los compuestos de madera desechados cortados con láser. El material inesperado funciona como una oportunidad para comparar y confrontar la historia y los procesos dentro de cada obra.
El potencial de los elementos constructivos como objetos escultóricos es un tema recurrente que aborda el problema de la eliminación de basura y sus efectos en las ciudades latinoamericanas, particularmente en Asunción. El trabajo de Barrail sirve como un monumento a la cultura de consumo y al capitalismo agresivo, yuxtapuesto al daño ambiental y la pérdida de identidad.
En una colección sorprendente, Barrail presentó en New York muebles tatuados, incluidos gabinetes y asientos adornados por miembros de la tribu Pai Tavytera. Este trabajo no solo trascendió fronteras, sino que invitó a los espectadores a reflexionar sobre el intrincado tapiz del yo, el tiempo y la memoria.
